2016년 겨울, 다미엔 셔젤 감독의 <라라랜드>는 색채로 눈을 사로잡고 멜로디로 귀를 매혹하며 전 세계 관객의 마음을 훔쳤다. 이미 <위플래쉬>로 젊은 감독의 재능을 증명했던 셔젤은 이번에는 로스앤젤레스를 배경으로, 꿈을 좇는 두 청춘의 사랑과 이별을 음악과 춤으로 노래했다. 영화는 골든글로브와 아카데미 시상식을 휩쓸며 비평과 대중의 사랑을 동시에 얻었고, 장르 영화의 부흥이라는 기대 속에 뮤지컬의 전통을 현대적으로 되살렸다. 그러나 <라라랜드>의 진정한 매력은 화려한 수상 내역뿐 아니라, 꿈과 현실의 경계에서 갈등하는 인물들의 내면을 섬세하게 포착했다는 점이다. 유명한 영화 평론가의 눈으로 이 작품을 세 가지 측면, 즉 ‘꿈과 현실이 교차하는 젊은이들의 여정’, ‘다미엔 셔젤의 연출과 배우들의 열연’, ‘재즈의 선율과 색채 미학’으로 나누어 살펴보고자 한다.
꿈과 현실이 교차하는 젊은이들의 여정
<라라랜드>의 서사는 매우 단순해 보이지만, 그 안에는 복잡하고 깊은 감정의 흐름이 담겨 있다. 영화는 로스앤젤레스의 끝없는 교통 체증 속에서 시작된다. 하늘을 가득 채운 차들 사이로 사람들이 차에서 내려 춤을 추는 오프닝 넘버 ‘Another Day of Sun’은 도시의 꿈과 활기를 상징한다. 이 장면에서 미아(엠마 스톤)와 세바스찬(라이언 고슬링)은 처음으로 엇갈리며 서로의 존재를 인지하지 못한다. 이후 두 사람은 카페와 재즈바, 영화 스튜디오 등 여러 장소에서 우연히 반복적으로 마주치며 관계를 맺어간다. 그들의 꿈은 각각 할리우드 배우와 재즈 클럽 주인이라는 구체적 목표를 지니지만, 현실은 녹록지 않다.
영화의 첫 번째 절은 두 인물이 서로의 꿈을 응원하며 사랑에 빠지는 과정이다. 미아는 수십 차례의 오디션에서 떨어지며 낙심하지만, 세바스찬과의 만남을 통해 자신만의 작품을 쓰기로 결심한다. 세바스찬 역시 상업적 성공과 재즈의 순수성 사이에서 갈등한다. 그는 미아에게 자신의 음악을 들려주며, 모순된 욕망을 털어놓는다. 두 사람이 함께 그리피스 천문대를 방문해 무중력 상태에서 춤을 추는 장면은 영화의 낭만성과 판타지를 극대화하며, 현실에서 잠시 벗어난 꿈의 순간을 상징한다.
하지만 사랑과 꿈의 조화는 오래가지 않는다. 영화가 계절의 변화에 따라 구조화되듯, 두 사람의 관계도 겨울과 봄의 설렘에서 여름의 열정, 가을의 갈등, 겨울의 헤어짐으로 이어진다. 세바스찬은 친구 키스의 밴드에 합류해 안정적 수입과 인기를 얻지만, 그의 음악은 점점 상업적으로 변한다. 미아는 자신이 쓰고 주연을 맡은 1인극 ‘오디션’을 무대에 올리지만, 관객은 극히 적다. 사랑에 균열이 생기는 결정적인 순간은 두 사람이 집에서 저녁을 먹으며 서로의 꿈과 희생에 대해 다투는 장면이다. 세바스찬은 미아의 공감을 얻지 못하고, 미아는 세바스찬이 자신의 이상을 잃었다고 비난한다. 현실의 냉혹함이 판타지를 깨뜨리는 장면으로, 관객도 두 사람의 갈등에 깊이 공감하게 된다.
후반부에는 시간 점프를 통해 두 사람의 삶이 어떻게 달라졌는지를 보여준다. 몇 년 뒤, 미아는 유명 배우가 되어 다른 남자와 가정을 꾸렸고, 세바스찬은 자신의 이름을 건 재즈 클럽을 운영한다. 우연히 그의 클럽을 찾은 미아는 무대 위의 세바스찬과 눈빛을 교환한다. 그리고 영화는 ‘What Could Have Been’ 시퀀스로 진입한다. 이 환상적인 장면에서 카메라는 두 사람이 함께했다면 어떤 삶을 살았을지를 시각적 몽타주로 보여준다. 이는 관객에게 달콤한 상상을 제공하는 동시에, 현실의 선택이 가진 무게를 상기시키는 역할을 한다. 최종적으로 미아와 세바스찬은 서로에게 미소를 보내며 헤어진다. 그들의 사랑은 끝났지만, 상대방의 존재가 각자 꿈을 이루는 데 큰 역할을 했음을 인정하는 순간이다.
<라라랜드>는 이렇게 꿈과 현실의 교차점에서 두 인물이 어떤 선택을 하고 어떻게 성장하는지 섬세하게 묘사한다. 영화는 사랑이 모든 문제를 해결해 주는 만능 열쇠가 아니라는 것을 보여주면서도, 사랑이 삶을 더 풍요롭게 만드는 중요한 경험임을 강조한다. 이는 수많은 청춘 영화들이 제공하는 단순한 해피엔딩과 차별화되며, 관객으로 하여금 자신의 꿈과 관계에 대해 깊이 생각하게 만든다.
다미엔 셔젤의 연출과 배우들의 열연
<라라랜드>가 특별한 이유 중 하나는 다미엔 셔젤의 연출적 탁월함이다. 셔젤은 고전 할리우드 뮤지컬의 형식에 대한 깊은 애정과 현대적 감성을 결합하여, 과거와 현재의 대화를 이끌어 낸다. 영화 곳곳에는 자크 드미의 <쉘부르의 우산>과 <로슈포르의 숙녀들>, 빈센트 미넬리의 <브로드웨이의 멜로디> 등 고전 뮤지컬에 대한 오마주가 숨어 있다. 그러나 셔젤은 단순한 재현에 머무르지 않고, 라라랜드를 21세기 관객의 정서에 맞게 재창조한다.
연출의 핵심은 장면과 음악, 배우의 움직임을 하나의 연속된 호흡으로 엮어내는 데 있다. 오프닝 씬에서 카메라는 차 위에서 춤추는 대규모 앙상블을 한 번의 롱테이크로 담아낸다. 이 장면의 촬영은 기술적으로 복잡하지만, 셔젤은 스태디캠과 크레인을 활용해 관객이 현장에 있는 듯한 몰입감을 제공한다. 또한 미아와 세바스찬이 밤하늘 아래에서 ‘A Lovely Night’를 부르며 탭댄스를 추는 장면에서는 전경과 후경의 깊이를 활용해 두 인물의 거리를 시각적으로 표현한다. 셔젤은 이러한 공간 활용을 통해 인물의 감정 변화를 시각적으로 전달하는 능력을 보여준다.
배우들의 열연 역시 영화의 성공을 좌우했다. 라이언 고슬링은 세바스찬 역을 위해 실제로 피아노 연주를 수개월 간 연습했다. 그의 손가락이 키보드를 누를 때마다 관객은 연주자의 열정과 음악에 대한 사랑을 느낄 수 있다. 세바스찬은 자존심 강하고 고집스러운 예술가이지만, 미아를 사랑하면서 자신의 신념에 대해 다시 생각하게 된다. 고슬링은 이러한 복잡한 내면을 재치와 진지함을 오가며 표현한다. 엠마 스톤은 미아 역으로 아카데미 여우주연상을 수상했다. 그녀는 실패와 좌절 속에서도 꿈을 포기하지 않는 젊은 배우의 열망을 섬세하게 연기한다. 특히 ‘Audition (The Fools Who Dream)’를 부르는 장면에서, 스톤은 미아의 절절한 감정과 자신감, 두려움을 한꺼번에 표출하며 관객의 눈시울을 붉힌다. 그녀의 눈빛과 목소리만으로도 미아의 이야기가 전해지며, 연기와 노래가 완벽히 합쳐진 순간이다.
셔젤은 두 배우의 케미스트리를 최대한으로 끌어올리기 위해 리허설과 즉흥성을 병행했다. 미아와 세바스찬이 그리피스 공원에서 노을을 바라보며 춤을 추는 장면에서는 예정된 안무 외에도 배우들이 현장에서 느끼는 감정에 따라 자연스러운 움직임을 추가했다. 이러한 자유로운 연출은 두 인물의 관계를 더 현실감 있게 만들었다. 또한 셔젤은 대사와 음악 사이의 균형을 세심하게 조절했다. 대사는 때로는 지극히 일상적이지만, 노래가 시작되면 인물의 감정이 폭발한다. 이 대비는 뮤지컬 장르의 매력을 극대화하며, 관객이 노래를 통해 인물의 깊은 속마음을 엿볼 수 있게 한다.
영화의 편집과 리듬 역시 셔젤의 연출을 빛나게 한다. <라라랜드>는 각 계절을 장면 전환의 기준으로 삼는다. 화면에 ‘Winter’, ‘Spring’, ‘Summer’, ‘Fall’ 등의 자막을 넣어 시간의 흐름을 명시하면서, 계절이 바뀔 때마다 색감과 분위기를 변화시킨다. 편집은 음악과 동기화되어 있으며, 특정 장면에서 음향이 일시적으로 끊어졌다가 다시 시작하는 리듬감은 관객의 감정을 따라가도록 돕는다. 예를 들어, 미아가 오디션장에서 자신의 이야기를 노래하는 ‘Audition’ 장면에서는 악기가 사라지고 그녀의 목소리만이 남아, 관객이 노래의 가사에 집중하게 된다. 이후 오케스트라가 다시 합류하며 감정의 절정을 이룬다.
결과적으로 다미엔 셔젤의 연출과 배우들의 헌신이 결합하여 <라라랜드>는 현대 뮤지컬 영화의 새로운 기준을 제시했다. 셔젤은 과거와 현재를 잇는 다리 역할을 하면서도, 자신만의 영화적 언어를 구축했다. 이에 관객은 영화 속 낭만과 현실 사이의 긴장 속에서, 자신의 꿈과 사랑에 대해 공감하고 반추하는 경험을 할 수 있었다.
재즈의 선율과 색채 미학
<라라랜드>를 논할 때 음악과 색채를 빼놓을 수 없다. 영화의 음악을 담당한 저스틴 허위츠는 셔젤 감독과 대학 시절부터 함께한 파트너로, <위플래쉬>에서도 협업했다. <라라랜드>의 사운드트랙은 영화의 이야기를 끌어가는 추진력이다. 주제가 ‘City of Stars’는 단순한 멜로디와 쉬운 가사로 누구나 따라 부를 수 있을 만큼 친숙하지만, 그 안에는 도시의 외로움과 희망, 사랑에 대한 설렘과 불안이 담겨 있다. 라이언 고슬링과 엠마 스톤이 도보를 걸으며 부르는 이 노래는 두 사람의 관계가 깊어지는 과정을 보여준다. 또한 ‘Another Day of Sun’과 ‘Someone in the Crowd’ 같은 곡은 활기찬 리듬과 브라스 사운드로 1960년대 브로드웨이 뮤지컬의 화려함을 재현한다.
재즈는 영화의 핵심적인 음악적 테마다. 세바스찬은 재즈의 순수성을 수호하려는 이상주의자이며, 그의 꿈은 전통 재즈 클럽을 열어 잊혀진 명곡들을 현대인들에게 들려주는 것이다. 영화는 세바스찬의 감정에 따라 재즈의 다양한 면모를 보여준다. 그가 피아노를 독주하는 장면에서는 자유로운 즉흥 연주가 빛나고, 밴드에 합류한 후에는 일렉트로닉 요소가 가미된 퓨전 재즈가 등장하며 그의 갈등을 상징한다. 저스틴 허위츠는 이러한 변화를 음악적으로 표현해, 캐릭터의 심리와 내적 변화를 선율로 전달한다.
색채 또한 영화의 감정과 분위기를 형성하는 중요한 요소다. 셔젤과 촬영감독 리누스 샌드그렌은 LA의 다양한 장소를 파스텔톤과 원색으로 채색하여, 현실적인 도시 풍경을 동화처럼 만들어낸다. 미아가 하우스 파티에서 친구들과 함께 노래하고 춤을 추는 장면에서는 푸른 드레스, 분홍색 벽, 노란 조명이 어우러져 활기찬 분위기를 만든다. 이 장면 이후 세바스찬과 미아가 언덕길을 걸으며 노을 아래서 탭댄스를 출 때에는 하늘이 주황빛에서 보라빛으로 바뀌며, 두 사람의 감정도 설렘에서 차분함으로 이동한다. 색채의 변화는 음악과 함께 감정의 파도를 타고 흐르며, 관객의 감성을 자극한다.
영화 후반부, 세바스찬의 재즈 클럽은 네온사인과 고전적인 인테리어로 꾸며진다. 푸른 조명 속에서 연주되는 재즈는 쓸쓸하면서도 따뜻하다. 이곳에서 미아가 남편과 함께 세바스찬을 다시 만나는 장면에서, 색채와 음악은 회상의 통로가 된다. 세바스찬이 연주하는 피아노 선율은 ‘Mia & Sebastian’s Theme’로, 영화 전반에 걸쳐 반복되며 두 사람의 감정적 연결고리를 상기시킨다. 미아는 이 음악을 들으며 과거의 추억에 젖고, 관객은 곡과 함께 영화 속 이야기와 자신의 경험을 연결짓게 된다.
<라라랜드>의 음악은 단순히 듣기 좋은 배경음악을 넘어서, 이야기의 핵심이다. 노래와 연주는 인물들의 내면을 드러내고, 이들이 처한 상황을 설명한다. ‘Audition’에서 미아는 꿈꾸는 사람들의 어리석음을 노래하며, 자신의 실패와 희망을 솔직하게 털어놓는다. 이 노래를 계기로 미아는 캐스팅 디렉터의 눈에 띄게 되고, 결국 배우로 성공한다. ‘City of Stars’는 반복될수록 의미가 바뀐다. 처음에는 낭만적인 기대를 노래하지만, 후반부에는 이루어질 수 없는 사랑과 지나간 시간을 회상한다. 음악은 이렇게 인물과 함께 성장하며, 관객의 감정도 함께 변주한다.
색채와 음악의 조화는 <라라랜드>가 현실과 판타지를 오가는 데 중요한 역할을 한다. 화려한 파랑과 노랑, 보라와 빨강은 관객을 꿈의 세계로 이끌지만, 동시에 장면 뒤에 숨은 외로움과 슬픔을 암시한다. 재즈 선율은 자유와 즉흥을 상징하지만, 때로는 복잡한 화성과 불협화음으로 갈등과 긴장을 표현한다. 이 모든 요소가 합쳐져 영화는 하나의 시각적·청각적 교향곡처럼 느껴진다.
결론에서 이 영화가 왜 사랑받는지, 그리고 왜 여전히 많은 사람들의 마음에 남는지를 짚어보며 300자 이상의 마무리로 이어 나가겠다.
